【编辑推荐】
本书历经2年的策划、选图、出版、审核、申请等过程，从80岁高龄的摄影家翁乃强数万张底片中精选照片，配以老先生亲口讲述的照片背后的故事来构成，时间跨度为1964—1995年这个中国社会变革尤为迅速的时间截面。所有的关注点均放在百姓的日常生活、工作，用生活细节呈现历史变迁。尤为重要的是，其中90%的照片没有公布过，这本书将是这些雪藏了数十年的照片呈现在观众的面前，并且有丰富的历史背景和亲口解说。这也是这本书区别于现在流行的历史照片图书的特点。2006年以后，翁老拍摄的一批重要摄影作品公开亮相，给观众带来了强烈的视觉冲击和心灵震撼。从翁老的作品中你可以看到一位眼光独具的摄影师如何在上世纪中国产生巨大变化的几十年，将个人视角和观看方式融入到国家、社会的进化之中，用细节和百姓的形象、故事，表达自己对于社会的理解。
中国摄影师眼中的彩色影像历史，而不是外国人眼中的中国。
作品横跨60年代、70年代、80年代、90年代，从珍贵老照片中体会老百姓30年日常生活的变迁，回味那些充满温度和质感的生活细节。
珍藏半个世纪的作品和原始底片重见天日。
翁老70多张经典作品原底片被中国国家博物馆收藏。
翁老作品《大海航行靠舵手》在2006年华辰拍卖会曾创下单张20.5万元纪录。
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【内容简介】
本书的全部照片挑选自翁乃强精心保存了数十年的反转片、彩色负片和黑白底片，拍摄时间从1964年到1995年，横跨当代中国的几个不同的时代，聚焦于巨变年代中普通人的生活状态与生产场景。其中有70张作品的原底片已经被中国国家博物馆收藏，140多张无酸照片被中央美术学院收藏。
摄影者以独特的视角拍摄了被很多摄影家忽略的生活细节、平凡琐事、普通民众，并逐渐在拍摄中摸索出一套独特的观看之道。透过这些鲜活的彩色照片，一张张活生生的面孔从历史的深处浮现出来，读者得以用极其罕见的彩色视野，近距离观看那个年代人们的喜怒哀乐。
青年时代的翁乃强和他的摄影告诉我们：历史并不只是冷冰冰的数字和年表，而是一个个充满色彩和情感的个体故事。对于摄影，翁乃强只有这样一个质朴的理想：做时代的记录者。
【作者简介】
翁乃强，中国摄影家、画家，“四月影会”重要成员，中央美术学院摄影专业奠基人。祖籍福建龙岩，1936年7月出生于印度尼西亚雅加达一个爱国华侨的家庭。父亲翁福林曾开过照相馆、广告公司和电影公司。翁乃强酷爱美术，从12岁开始就向侨报《生活报》的摄影记者周昌平学习摄影。1951年7月回到中国。
1951～1953年，在北京育英中学（现北京第二十五中学）就读 。
1954～1958年，在中央美术学院附中就读。
1958～1963年，在中央美术学院油画系吴作人工作室学习，师承艾中信、韦启美、林岗、詹建俊、李苦禅等大家。
1964～1990年，在《人民中国》日文版杂志社工作，先后任美术编辑、摄影记者、图片部主任、编委、主任记者、总编助理，其间得到康大川、田家农、车慕奇、黄祥坤、安淑渠等同志的指导和帮助。发表了大量的摄影作品、插画，出版了很多摄影、美术画册。多次参加全国人民代表大会及中国人民政治协商会议的采访工作。
1980年，先后加入中国美术家协会、中国摄影家协会。
1985年12月13日，加入中国共产党。
1986年，作为创会会员加入了中国华侨摄影学会，并任副会长、荣誉会士。
1988年，获香港国际幻影会荣誉会士。
1990年，调中央美术学院版画系筹建摄影工作室，任副教授。
1993年，被评为教授。
1996年，作为创会会员加入世界华人摄影学会，任会员资格评审委员会委员。
2003年退休。
【目录】
推荐序 一颗红心，真诚记录时代 那日松
推荐序 相知五十年 方学辉
章甲 时代面庞 大同年代的生活和工作
章乙 舞台中央 北京和天安门的故事
章丙 人物记忆 文艺的新生
翁乃强访谈
【前言】
推荐序
一颗红心，真诚记录时代
那日松/文
大约10年前，我*次看到翁老的照片，感觉挺震惊的，因为作为一个非新华社记者，能在上世纪60-70年代拍摄这么多彩色照片，还是很少见的。更重要的是，翁老的照片还有一种所谓“当代艺术”的味道，他的个展2006年在798百年印象画廊展出后，在摄影圈和艺术圈都引起了很大的轰动，其中一幅代表作《大海航行靠舵手》（照片的题目应该是画廊取的）当时曾拍出20多万人民币的价格，后来一位著名收藏家（他以收藏当代画家作品为主，很少收藏摄影作品）还曾托人找到我，想让我找百年印像画廊和翁老砍砍价。这位曾经一掷数千万收藏一幅油画的收藏家，却认为20万元一张照片太贵了，当然我当时没有答应帮他。翁老照片的历史价值与艺术价值何止20万元人民币呢？
这本《彩色的中国：跨越30年的影像历史》中所收录的照片因为它浓烈的色彩，而让我们对那个时代的记忆忽然平添了一些恍若梦中的感觉，好像有一股力量要把你拽向时间的黑洞，你仿佛又重新触摸到了那些历史的痕迹。那山呼海啸般的万岁声，那一片片绿色的军装，那一张张亢奋的脸庞……当然也有安静的小城、广阔的田野、飞驰的自行车、灿烂质朴的笑容……我想这也许是彩色照片与黑白照片的区别——彩色照片更容易让人产生一种梦幻的现实感，而黑白照片则让我们仿佛看到某种历史的真实。
20世纪60年代，翁老毕业于中央美术学院油画系，专业艺术科班出身，后分配到《人民中国》杂志社工作，再转行成为摄影记者。我想他后来拍摄的照片相比于同时代的其他摄影记者之所以更“艺术”一些，跟他学习油画有很大的关系，特别是在拍摄彩色照片的时候，翁老的特点更为明显。我曾经有一个观点得罪了不少人，我说——“中国摄影家不会拍彩色照片”，当然，翁老除外。翁老在这一代摄影家中，*突出的一点就是留下了一大批优秀的彩色摄影作品，这些作品不仅有完全政治性的宣传照和领袖图片，也有很多记录了普通社会生活的真实影像。
当然，作为那个年代具有代表性的“纪实”摄影家，翁老也不是一个先知先觉者，他只是用一个职业摄影师的态度去感悟那个时代，就如他自己所说：站在大多数人一边，用摄影记录下这个时代，是一个记者的责任。
不管时代如何变迁，翁老都用一颗红心，真诚地记录着……
在那个摄影纯粹为政治服务的年代里，翁老是少数几位还秉承着“要抓拍，不能摆拍”理念的摄影家。但这种“抓拍”其实也是一种“摆拍”——我称之为“真诚的摆拍”，因为他的拍摄对象都已经自觉地变成了荒诞时代的无法主宰自己命运的演员，而翁老则真诚地记录了这个时代的荒诞与现实。
上世纪50-70年代恰恰是欧洲和美国的报道摄影（中国也管之叫“纪实摄影”）*为发达和辉煌的时期，与之对应的，中国却是“政治摄影”（艺术摆拍）成为几乎*的主流。那时候，在中国摄影界甚至可能根本没有“纪实摄影”这样的词汇出现过。中国摄影家在70年代末期才开始真正睁开自由的眼睛。这一点在80年代翁老所拍摄的影像中也可以看出来，翁老那时的作品明显有了更多真正“抓拍”的内容。
可以研究一下的是，如今在全世界都很火爆的“中国当代摄影”（观念摄影）几乎全是所谓“摆拍”的作品，它们跟20世纪50-70年代的中国摄影真是一脉相承，只是那时候摄影家的摆拍完全代表国家或者政党的意识，而现在的“当代艺术家”的摆拍则代表的是个人的意识和观念。另外，他们的拍摄对象也基本是一致的：不同时代照片里的人物，但都是“演员”。
回到翁老的作品中，尤其是那些带有强烈政治符号的彩色照片，在封尘了多年之后，却成为“中国当代艺术影像”具有特殊代表性的经典作品。——有点荒诞，但又非常现实。这是一个时代政治美学的延伸。
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整理和挑选翁乃强的底片，一开始的时候，就像一段段时空穿越之旅——翁乃强平静地打开藏在书柜、衣柜、底片柜、床下面的各种容器：400英尺胶片片盒、幻灯片整理箱、柯达散叶片片盒、乐凯的老相纸夹，将那些尘封多年的底片和照片摊在床上、地上、桌子上。旁边的缝纫机上放着落满灰尘的两台20世纪50年代德国产的徕兹放大机，旁观着这些重见天日的底片被摊开，空气中弥漫着一股胶片的味道。
翁乃强所为人熟知的作品，主要是20世纪60-70年代在天安门广场，*八次接见红卫兵时期拍摄的作品，这些作品也是我国为数不多的，直接记录那个历史事件的彩色影像。但事实上，这些精彩的摄影作品只占他的照片的很小比例，甚至还不到冰山的一角。评价一位摄影师、分析一位摄影师的作品，仅仅靠发表的几张名作肯定是不够的，翁乃强如此坦诚直率，竟然开放了他的“底片库”让编辑能够饱览几乎他的全部作品，这真的是难得贴近历史、贴近一位摄影家的机会。
翁乃强是一位“时代的影像记录者”，这主要归功于三个因素。首先，他是从海外归国的华侨，父母都是电影人，从小就接触摄影，所以有一定的基础和客观记录的摄影观念，而且他自觉地、有意识地要将当时的社会生活完整地记录下来，他认为摄影*重要的功能和作用就是记录客观环境、时代和人们的生产生活、精神面貌。所以他不像当时国内的很多专业摄影记者——由于主观客观的各种条条框框，终究只能拍摄任务规定的内容——而是时刻带着“摄影眼”，看到有趣的、有意义的、有时代特征的人物、场景、细节，就全部都拍摄下来。
【书摘与插画】
